세 미 나

    

조 콘도 Jo Kondo

 통역, 정리 : 박 은 하

 21세기악회가 주최 주관한 뮤직투데이, 서울 2005 music today, seoul 2005 행사 중 두번째 세미나(2005년 3월22일, 숙명여대)로서 일본의 조 콘도 Jo Kondo교수의 강연내용입니다.

   오늘 제가 여러분한테 저의 음악세계에 대해서 얘기를 하려고 하지만 아마 여기 계시는 대부분의 분들은 제가 어떤 음악을 해왔는지에 대해서 전혀 모르실 것이라고 생각합니다. 왜냐하면 저에 대한 아무런 정보도 없이 저의 음악을 들어보신 적 없는 여러분에게 먼저 저의 곡에 대해서 설명을 하면 여러분은 전혀 흥미를 느끼시지 못할 것 같아서, 저의 음악을 먼저듣고 나서 저의 음악세계에 대해서 얘기를 하려고 합니다. 그래서 여러분 에게 저의 첫 번째 곡을 들려드리고 싶은데, 이럴 때 어떤 곡을 먼저 들려드려야 되는지 많이 생각하게 합니다.

저는 여러분이 보시는 바와 같이 그렇게 젊지는 않습니다. 그리고 저는 35년간 작곡 활동을해 왔습니다. 저는 그렇게 많은 다작의 작곡가는 아니지만 35년간의 작곡생활을 통해 얻은 결과물로 100여 곡에 이르는 작품이 있습니다. 작은 가곡, 아니면 독주곡부터 시작해서 오케스트라, 오페라까지 있습니다. 보통 어느 곡이 당신의 대표 곡 입니까 라고 질문을 많이 받지만모든 곡이 저에게는 다 소중한 곡입니다. 작은 규모의 바이올린 솔로 곡에서부터 큰 규모의 오페라에 이르기까지 곡의 규모는 틀리지만 이 모든 곡들이 제 마음속에서는 똑같은 가치를 갖는 중요한 곡입니다. 이렇게 수많은 곡들 중에서 한 곡을 가장 먼저 여러분들에게 선사해 드린다는 것 자체가 저한테는 매우 고민이었습니다. 결론적으로는 가장 최근에 작곡한 곡을 여러분에게 들려 드리도록 마음먹었습니다. 이 곡은 제가 지금까지 작곡한 모든 작곡 스타일을 포함하고 있는 대표 곡이다라고 말 할 수 있을지 없을지는 저도 잘 모르겠습니다. 하지만 일단은 여러분이 저의 가장 최근의 곡을 들어주시길 바라겠습니다.

   이 곡은 영어로 “In Summer“ 라는 타이틀이 붙은 오케스트라 곡 입니다. 동경 도립( 都立 ) 관현악단의 연주와 미국인 폴 코프스키의 지휘로 연주되었습니다. 아무 생각 없이 저의 음악을 들어주셨으면 감사하겠지만 한 가지 당부의 말을 드리고자 합니다. 저의 음악은 한 순간순간이 굉장히 중요합니다. 그러기 때문에 여러분이 음악을 들을 때 그 음 하나하나에 집중을 하시면서 들어주셨으면 정말로 감사하겠습니다.  12분에서 13분 정도의 길이로, 만일 지루하시면도중에 주무셔도 좋습니다.

   이 곡은 작년 여름에 작곡한 곡이기 때문에 ‘여름에’ 라는 타이틀을 붙였습니다. 저는 천천히 진행되는 음악을 좋아합니다. 제가 ‘천천히' 라고 말은 했지만 꼭 ‘천천히’라는 것 은  템포가 느린 것을 말하는 것은 아닙니다. 지금 들은 바와 같이 이 곡에서도 부분적으로 빠른 템포가 보여 졌고, 다른 곡 전체를 통해서도 빠르게 이동함을 가진 곡도 있습니다.

 제가 좋아한다 라고 말하는 느린 음악의 정의는, 시간이 천천히 스쳐 지나가는 경험을 할 수 있는 음악을 말합니다. 시간이 천천히 흘러가는 것은 굉장히 중요한 것이라고 생각 되 어 집니다. 대체적으로 우리가 생각하는 현재는 너무 속도가 빠른 세상에서 살아간다고 저는 항상 생각하고 있습니다. 장사에서 이기기 위해서는 빠른 속도, 그런 템포가 현실세계에서 우리에게 요구되어지고 있습니다. 동경에서 서울에 올 때 자전거를 타는 것 보다는 비행기를 타는 것이 훨씬 더 속도가 빠르기 대문에 진보적이다 라고 말할 수 있기 때문입니다. 이런 환경 속에서 저희들은 느린 시간이라는 개념에 대해서 잊어가기 시작하고 있습니다. 예를 들어 여러분들이학교 수업에 지각하기 않기 위해서 빨리 오는 것도 그러한 예라고 생각합니다. 그런데 만약에 여러분들이 천천히 학교에 온다면 길가에 피어있는 예쁜 꽃이나 길가에 떨어져 있는 예쁜 돌을 볼 수도 있겠지만, 여러분들이 빨리 올 경우에는 그러한 것들을 놓치고 지나쳐 올 것 입니다. 하지만, 아주 굉장히 천천히 걸어서 온다면, 오는 길 도중에는 그 동안 여러분들이 지금까지 놓쳤던 많은 것들을 발견할 수가 있을 것 입니다. 사물에 대해서 생각 한다 라는 것도 그것과 마찬가지로, 빨리 생각하는 것에 의한 이익도 많겠지만, 좀더 깊은 생각은 천천히 갖지 않으면 생겨나지 않는 것 입니다.

  요즘 현대에 있어서 작업을 한다는 것은 굉장히 이상한 일 중에 하나라고 생각을 합니다. 아무리 작곡을 해도 그 작곡에 의해서 돈을 번 다던지 아니면 유명해 진 다던지 하는 것은 참으로 어려운 일입니다. 여러분들 중에서는 현대 작곡가들 중에서도 유명한 사람이 있지 않느냐, 예를 들어, 피에르 블레즈를 그 예로 들 수도 있을 것 입니다. 하지만, 피에르 블레즈를 여러분이 생각하는 마이클 잭슨과 비교한다면, 피에르 블레즈는  정말 눈꼽 만치도 그와는 비교할 만한 유명세를 가지고 있지는 않을 것입니다. 그렇기 때문에 이러한 현대음악을 한다는 자체로 유명해 진다는 것은 어떤 의미에서는 환상에 불과한 것일지도 모릅니다. 그렇기 때문에 이러한 작업 활동을 하면서 생활에 충분한 돈을 벌 수 있다는 것은 결국은 어불성설이라고 말할 수 도있습니다. 그렇기 때문에, 여러분께서는 다들 어쩔 수 없으니까 학교에서 아니면 중학교, 고등학교, 대학교 강단에 서서 선생님으로서 돈을 벌고 있는 것이라고 생각합니다. 그렇기 때문에 아무런 도움이 되지 않는 작업이기에 작곡만큼은 자신이 하고 싶은 것을 표현할 수 있어야 된다고 생각합니다. 그렇기 때문에 저에게 있어서 작곡에 있어서 중요하다고 느끼는 시간이 천천히 스쳐 지나 가는 느낌의 작곡을 하고 싶었기 때문에 지금까지 계속 이러한 작업을 수없이

반복해서 지금까지 해 왔습니다.

  그러면 음악에서 시간이 천천히 흐른다는 것은 어떤 것 일까요? 그러면 아까 제가 예를 들었던 집에서 학교에 오는 길에 보여 지는 여러 현상에 대해서 다시 한 번 회상해 주십시요.

제가 아까 여러분에게 집에서 학교에 올 때, 만일 천천히 온다면 여러분들이 놓칠 수 있었던 예쁜 꽃이나 돌을 발견 할 수 있었을 것 이라고 이미 말했습니다. 다시 말하자면 각각의 그 순간 순간에 음 하나하나에 대해서 집중을 한다면 느린 시간의 흐름을 여러분이 느낄 수 있을 것입니다. 그래서 제가 맨 처음 음악을 듣기 전에 여러분한테 각각의 그 순간 순간에 음 하나 하나에 집중을 해서 들어달라고 했던 요구도 바로 그런 데서 나온 것 입니다.  

   저는 아주 예전부터 하나하나의 음에 대해서 굉장히 흥미가 있었습니다. 예를 들어서 절의 종소리, 또는 유리로 만든 종소리, 멀리서 들리는 천둥소리 등등 이런 소리들에 대해서 굉장히 아름답다라고 생각하면서 열중하였습니다. 제가 언급한 것처럼 소리라는 것은 우리가 생활하고있는 모든 순간순간에 들리는 모든 음 하나하나에 주의하면서 듣는 그런 습관을 말합니다. 예를 들어서 천둥번개소리를 듣고 '아 무서워' 라고 생각하는 분도 계시지만, 아주 멀리서 들려오는 천둥번개의 희미한 소리가 아름답다고 생각하는 분도 계 실 것 입니다. 천둥번개 소리는 자연현상입니다. 예를 들어 석양이 지는 것이 자연현상인 것과 같이 천둥번개소리도 자연 현상 중에 하나입니다. 예를 들어서 이 석양을 보면서 어떤 사람은 굉장히 슬프다고 느낄 것이며 어떤 사람은 밝은 미래의 도약을 생각하는 사람도 있을 것입니다. 다시 말하자면 석양이라는 자체가 감정을 표현하고는 있지 않지만, 보는 사람에 의해서는 석양이라는 것에 대해서 감정을 전달해 받을 수도 있을 것입니다. 그것과 같은 의미로, 하나의 종소리를 듣거나, 하나의 꽃을 보고 거기에서 느끼는 사람들의 각각의 감정에 의해서 각각의 희노 애락의 감정을 받을 수 있는 것입니다. 그런 의미로 여러분들이 주위에서 듣는 많은 종류의 음 하나하나에 대해서주의 깊게 듣는다면, 거기에서 나오는 훌륭한 감정적인 생활을 보낼 수도 있을 것입니다. ‘세계에는 여러 종류의 음이 있는데 그 음 자체가 음악이다’ 라고 말을 한 사람으로는 아메리카의 전위 작곡가인 존 케이지가 있습니다. 제가 지금까지 말했던 이런 부분에 대해서는 어쩌면 여러분들은 존 케이지의 음악사상을 회상 할 수도 있을 것입니다. 그것은 어떻게 보면 당연한 일로서 존 케이지가 이런 사상을 가지게 된 것은 일본의 젠(선) 사상의 영향을 받았기 때문입니다. 만약에 케이지의 그런 생각과 같은 사고를 가지고 작곡을 하게 된다면 우리는 더 이상 작곡을 할 필요가 없을 것입니다. 왜냐하면 세계의 많은 음 자체들이 음악이기 때문에 우리들은 단지 그것들을 선별해서 즐기기만 하면 되기 때문입니다. 하지만 음 그 자체가 음악이라고 말 할 수 있겠습니까? 철학적으로 말한다면 그것은 어째든 수긍할 수 있는 말입니다.하지만 저는 음과 음악 사이에는 역시 조금이라도 틀린 점이 있을 것이라고 생각합니다. 따라서, ‘음과 음악의 사이에는 어떤 틀린 점이 있는가’ 라는 것이 저의 작곡의 출발점이라고 말 할 수 있겠습니다. 이런 질문에 관한 답변도 여러 가지로 생각할 수 있습니다. 그러기 때문에 제가 지금부터 여러분에게 말씀 드리는 이 한가지만이 정답일수는 없습니다. 단지 제가 그렇게 생각하고 제가 그렇게 느끼고 있다는 것일 뿐입니다.

그러면 전 어떻게 생각하고 있는가? 그것은 말이죠, 정통 음악이론에서 먼저 생각 해 봅시다. 전통적인 음악이론에서는 '음악은 음으로 이루어져있다' 라고 는 쓰여 있지 않습니다. 음악은 음으로만 되어있는 것은 아닙니다. 그러면 무엇으로 되어져 있는 것일까요? 한국에서는 어떤지 모르겠지만 일본의 경우 중학교의 음악교과서에서 음의3요소라는 것을 배웁니다. 여러분도 다 아시다시피 그 3요소는 선율과 화성과 리듬입니다. 거기서 설명하는 음악이란 '선율과 화성과 리듬으로 되어있고, 음으로 되어있는 것은 아니다' 라고 쓰여져 있습니다. 물론 선율이나 화성도 음이 없으면 그 선율이나 화성자체가 성립하지는 않습니다. 그렇기 때문에, 음이 선율과 화성에 있어서의 전제라고는 말할 수 있습니다. 하지만 음악이라는 것은 음으로부터 직접적으로 만들어 지는 것이 아니라, 리듬과 선율과 화성으로 이루어진다는 것이 전통적인 생각입니다.

   그러면 선율이라는 것은 무엇일까요? 음이 나열된 것이 선율일까요?  예를들어, 쇼팽의 선율과 피아노 건반을 고양이가 누르면서 지나가는 것도 모두 음으로 되어 있으니까 그것도 선율이라고 말 할 수 있는 것인지요? 물론 그 둘 다가 선율이라고 말 할 수 있다고 하는 사람도 있을 것 입니다. 모든 어떤 음들이 음악에 있어서 음이 나열되어 있다는 조건만 충족 된다면그것도 음악이라고 말하는 사람도 있을 것 입니다. 그러기 때문에 지금부터 다른 음악을 들려드리겠지만 이것도 선율입니다. (소리를 지르고 책상 바닥을 마구 쿵쿵 침) 이것도 선율이라고 말 할 수 있을 것 입니다.  제가 지금 이렇게 몸으로 보여드렸듯이 음으로 나열 되는 것만으로 도 음악이 될 수 있다면 이것도 음악입니다. 하지만 보통 여러분도 알다시피 이런 퍼포먼스로 소리가 난 것을 우리는 선율이라고 하지 않습니다. 그러면 보통 우리가 선율이라고 부르는 것은 무엇일까요? 그것을 제 나름대로 정리해 보았습니다. 저의 경우는 음의 높낮이와 길이가 확실하게 있으며, 그 음과 음 사이의 관계가 보여지는 것을 선율이라고 생각 합니다. 다시 말하자면, 하나의 음과 음 사이에서 알아들을 수 있는 음의 관계 속에서 그것이 두 개의 음만이 아니고 계속 옆으로 나열되어 있을 때, 그것을 통 체로 보았을 때 선율이라고 말할 수 있습니다. 예를 들어, 딴딴딴 따안 ( 베토벤의 교향곡<운명>의 첫 소절 ) 이라는 선율은 네 개의 음이 서로서로 관계를 가지고 있기 때문에 이 네 개 음을 한 덩어리로 보아서 하나의 선율이라 말할 수 있습니다. 그렇게 생각 한다면, 굉장히 재미있는 것을 발견할 수 있습니다.  다시 말하자면, 우리들이 딴딴딴 따안 이라는 선율을 들을 때, 그 음 하나하나를 듣는 것이 아닙니다. 저희는 딴딴딴 따안 이라는 네개의 음을 하나의 선율로 듣고 있는 것 입니다. 그 선율을 ( 천천히 ) 딴 딴 딴 딴안 이렇게 띄어서 듣는 분은 아무도 없을 것 입니다. 이렇기 때문에 선율에 있어서의 연결은, 그 선율 안에서의 음들을 음 하나하나로는 듣지 않는다는 것 입니다. 이런 음 하나하나의 존재라는 것들은, 선율이라는 큰 둘레 안에 파묻혀 버리는 것 입니다. 그러면 좀더 곡이라는 것을 먼 시각으로 바라본다면, 예를 들어서 베토벤의 운명 교향곡을 들었을 때는 딴딴딴 따안 했을 때 네 음 자체만을 주의 깊게 듣는 것은 아닐 것입니다. 왜냐하면 이런 딴딴딴 따안 이라는 동기를 몇 번이나 반복 진행하면서 베토벤은 이것을 하나의 큰 부분으로 완성하기 때문입니다. 큰 전체적인 부분을 들을 때 더 이상 우리들은 작은 세세한부분 대해서는 신경을 쓰면서 듣지 않기 때문입니다.

   이것이 근대 유럽의 작곡의 기본 원리입니다.  어떤 하나의 소재를 사용해서 그것을 나열 하고 쌓아 올려서 전체적으로 아주 큰 건축물로 만드는 것이 서양 유럽의 기본적인 작곡기법이라고 생각합니다. 그렇기 때문에 다시 뒤로 돌아가서 보면, 그런 음악은 빠른 걸음으로 집에서 학교까지 가는 길 ( 여정 )에 속할 수도 있습니다. 곡이 처음 시작해서 클라이맥스까지는 여러 가지 요소가 보여지겠지만, 가장 중요한 것은 처음부터 클라이맥스까지 가는 길의 흐름( 여정 ) 입니다. 다시 말하자면, 빠른 걸음으로 집에서 학교에 가는 길 도중에는 길가에 있었던 예쁜 꽃이나 돌들을 보지 않게 되는데, 그것이 곡의 흐름에 있어서의 작은 부분에 대해서 해당 되며, 결국은 그런 세세한 것들을 보지 않고 처음부터 빠른 걸음으로 클라이맥스까지 가는 것이 현대 곡에서 보여지는 작곡형태 입니다.  

   또 다른 예로 한 가지 들어보겠습니다. 여러분들이 굉장히 멋있는 기와로 만든 교회를 상상해 봅시다. 그런 건축물을 볼 때는 어떤 사람도 한 장 한 장의 기와에 대해서 집중을 하면서 보지는 않습니다. 결국, 전체를 보려고 하면 부분적인 것들에 대해서는 그다지 집중해서 보질않는다는 것입니다. 결국에는 전통적인 작곡사상에 있어서의 음악은, 그 음악의 작은 부분 하나 하나에 대해서는 그다지 깊은 주위를 기울이지 않는 경향이 보여 질 수 있습니다. 음 하나하나의 역할은 전체 곡을 만들기 위한 하나의 소품으로서 전락하게 되는 것입니다. 그러기 때문에 하나하나의 음 자체가 살아있는 생명체로서 취급된다면 곤란합니다. 하나하나의 음 자체가 생명을 가지게 되면 전체의 밸런스는 무너지게 됩니다. 결국 이것은 제가 맨 처음에 말한 바 있는 음 하나하나가 중요하다는 입장과는 정반대의 입장을 설명하는 것입니다. 하지만, 우리들은 이런 식으로 음과 음 사이에서 이뤄 질 수 있는 구조로 만들어지는 것을 음악 이라고 생각하고 있습니다. 그것을 단지 부정하게 된다면, 존 케이지의 ‘세계의 모든 음들은 그 자체로서 음악이다’라고 말 한 것 과 같은 처지에 놓이게 되기 때문입니다. 하지만, 아까 이야기 한 것처럼 저는 역시 음과 음악 사이에는 뭔가 틀린 점이 있을 것이리라는 생각을 하게 되었습니다. 여기에는 아주 큰 모순이 있습니다. 아까 제가 이야기한 전통적인 작곡사상에서 이야기 한다면, 하나하나의 음이 생명을 갖는 것은 있을 수 없는 일입니다. 하지만 저는 아까와는 반대로 하나하나의 음들이 생명을 가지고 있지만, 이 생명체들이 없는 것과 같은 그런 음악을 만들고 싶다고 애기했습니다, 이것은 아마도 불가능 것일 겁니다. 그렇다면, 결국은 여기까지 와서 작곡을 그만둘 수밖에 없을 것입니다. 그래서, 여러분한테 안녕히 계십시오 라고 말하고 싶지만, 이런 입장에서도 저는 무언가를 작곡하고 싶어서 작곡했습니다. 제가 생각한 것은 다음과 같습니다. 만일 하나하나의 음의 존재가 어떤 구조를 만들 때 그 안에서 없어지게 된다면 그 구조라는 것을 오히려 더 확실하게 잘 만들면 되지 않을까 라는 생각을 하게 되었습니다.

만약에 구조를 만들지 않는다면 하나하나의 음들이 각각의 생명체로서 존재하게 되어, 존 케이지의 ‘음 자체가 음악’이라는 식의 음악밖에 될 수 없을 것 입니다. 하지만 구조를 확실히 만들면 그 하나하나의 음들의 생명은 없어지게 됩니다. 그러면, 너무 극과 극으로 가지 말고 그 중간을 선택해보면 어떨까 하는 것이 제 생각입니다.  다시 말하자면, 아주 느슨한 구조를 만드는 것입니다.

그러면, 느슨한 구조라는 것은 무엇을 말할까요? 이 이야기에 앞서, 저는 작곡을 할 때 이런 음을 사용하면 재미있을까? 재미있겠지! 라고 즉흥적으로 생각하면서 작곡을 합니다. 그리고 작곡한 곡에 대해서 생각을 하는 것은 그 후에 일입니다. 저는 제가 재미있다고 생각한 부분을 먼저 작곡한 후, 나중에 이 곡에 있어서 내가 무엇을 재미있다고 생각했는지에 대해서 역으로 생각합니다. 그렇기 때문에 제가 여러분에게 말하고 싶은 것은, 곡을 쓰고 난 다음에 그 곡에 관해서 생각을 하는 거지, 미리 어떤 생각을 가지고 곡을 쓰기 시작하는 것은 아닙니다. 그렇기 때문에, 제 작품에 있어서의 제 자신의 해석일 뿐입니다. 그리고 이것은 하나의 저의 주관적 해석이기 때문에 틀릴 수도 있습니다. 여러분들은 저의 생각이나 곡에 대해서 저랑은 완전히 다른 해석을 할 수 있습니다. 그것이 음악의 굉장히 재미있는 부분이고, 또 이러한 여러 가지 느슨한 해석을 가능하게 하는 것이 음악의 매력입니다. 이러한 것들이 지금까지 말한 작품에 대한 저의 의견이며, 지금부턴 느슨한 구조에 대해서 말하겠습니다.

   제가 작곡한지 35년이 됐지만, 맨 처음 하나의 선율을 적으면서 어떤 것이 내 자신이 재미 있다고 생각되는 선율인지에 대해서 생각하게 되었습니다. 그것은 지금부터 들으실 작품으로 1973년에 작곡한 ‘speaking' 이라는 곡입니다. 이 곡은 거의 하나의 선율로 되어있습니다. 앞부분만 들어보겠습니다.

   이것은 하나의 선율이라고 한다면 그렇게 말 할 수도 있겠지만,프레이즈의 끝맺음이 뚜렷하지는 않습니다. 다른 말로 한다면,  이 곡에서의 프레이즈의 끝맺음은 항상 오버랩 되어지고있기 때문입니다. 그렇기 때문에, 이 프레이즈의 구조는 굉장히 느슨한 구조로 되어 있습니다. 듣는 사람에 따라 각각 다르게 느낄 수 도 있기 때문입니다. 거기에다 이 곡을 들으면서 뭔지 몰라도 조성감을 느꼈으리라 생각되어집니다. 하지만, 어떻게 확실하게 장조인지 단조인지 말할 수는 없었을 것입니다. 왜냐하면 이것은 굉장히 자유분방하게 음이 퍼져있는 것 같이 산발적으로 들리기 때문에, 듣는 방법에 따라서는 부분부분적으로는 여러 조성으로 들릴 수 도 있습니다. 만일, 조성이라든지 프레이즈를 전통음악의 하나의 요소라 생각한다면, 듣는 사람에 따라서 틀려지는 느슨한 프레이즈를 이 곡에서 느낄 수 있고, 듣는 사람에 따라서 틀려지는 조성을 느낄 수 있을 것입니다. 하지만 여기서 느껴지는 것이 조성음악에서의 구조로서 전혀 느껴지지 않는다고는 말할 수 없다. 하지만 그 구조가 굉장히 느슨하기 때문에, 만일 하나의 선율이 있을 때 그 선율 안에서 하나의 음을 뽑아서 그 음 하나의 전후를 생각하면 굉장히 여러 가지 해석을 가질 수 있습니다. 때문에 이런 음악에서는 음 하나하나가 아주 미세하지만 하나

하나의 존재로서의 가치를 갖는다고 말할 수도 있습니다.

오늘은 시간이 없는 관계로 전통적인 음악이 어떤 구조로 작곡되었는가에 대해서는 언급하지 않겠습니다. 그렇지만 맨 처음 들었던 오케스트라 곡에서처럼 여러분은 저의 음악이 점점 발전해서 클라이맥스를 이루는 그런 구조를 가진 음악이 아니라는 것을 알았을 것이라 생각됩니다. 이 음악에서는 뚜렷하지는 않지만, 곡이 어떠한 방향으로 진행되고는 있는지, 하지만 그것이 어떤 방향인지에 대해선 청중은 알기 힘들 것입니다. 이런 음악을 작곡하는 것에 의있어서 음 하나하나의 순간에 집중하면서도, 전통적인 조성음악에서의 구조를 어느 정도까지 달성할 수 있느냐에 대해서가 저의 작곡의 관심입니다. 그렇기 때문에 저의 작곡의 구조에 있어서는 애매모호한 구조가 굉장히 중요한 구조라고 말할 수 있습니다. 마지막으로 저의 화성을 만드는 작업에 대해서 말하겠습니다.

 조금 전에 들었던 음악은, 반음으로 구성된 한 개의 선율로 진행 되는 곡입니다. 하지만 맨 처음 들었던 곡은 굉장히 두꺼운 화음 층을 가지고 있었습니다. 맨 처음 작곡을 시작하면서 10년간은 단 선율의 음악만을 작곡했습니다. 이런 식으로 10년간의 작업 활동은 하던 어느 날 갑자기 단음 음정이 가지는 확실한 음정관계가 싫어졌습니다. 왜냐하면 저한테는 애매모호한것이 중요했었는데 단 선율에서 있어서 확실한 음고( 音高 )가 들리는 그 순간이 저는 싫었습었습니다. 예를 들어, ‘파’음를 사용했을 때 ‘파’음이 ‘파’음으로 들리는 것 자체가 싫었습니다.참을 수가 없었습니다. 그럼 ‘파’음를 어떻게 조리해서 ‘파’음으로 들리지 않게 할 수 있는가를 생각했습니다. ‘파’음를 ‘미’음으로 해버리면 ‘파’음은 ‘파’음이 아닌 게 되어 버립니다. 하지만 결국은 다시 또 ‘미’음으로 들리기 때문에 ‘파’음을 쓰지만 ‘파’음으로 들리지 않는 방법을 간구하게 되었습니다. 그래서 생각한 것은 ‘파’음이 있으면 한 옥타브 밑에 ‘미’음과 같이 동시에 쓰기로 했습니다. 그리고 동시에 중심에 ‘파’음이 있으면 1옥타브 밑에 ‘미’음이 있고, 중심의 ‘파’음의 1옥타브 위에 ‘파#’음을 쓰기로 했습니다. 그렇기 때문에 원래 ‘파’음이라는 것은, ‘파’음이 울리고 있기 때문에 ‘파’음이라고 들리지만 1옥타브 위의 ‘파#’음과 1옥타브 밑의 ‘미’음이 같이 울려서 저의 귀에는 중간 음의 ‘파’음이 그다지 ‘파’음이 아닌 것 같이 들리게 되었습니다. 이러한 방식을 통해서 저의 음악은 두꺼워 졌습니다. 맨 처음 들은 음악도 처음엔 하나의선율이었지만, 하나하나의 음에 지금과 같은 방법을 사용하여서 두꺼운 화성을 만들 수 있게 되어서 이 곡이 두꺼운 선율을 가진 것 같이 들리게 된 것입니다. 하지만 제가 정말로 그렇게 생각하고 들었는지에 대해서는 잘 모르겠습니다. 결국은 이런 식으로 작곡을 하고 나서 이 화음들이 아마도 이렇게 들릴 것이라는 핑계를 들어서 이런 이론을 만들었습니다. 아까부터 계속해서 저는 여러분에게 말하고 있는 바와 같이, 이런 애매모호한 구조에 대해서 굉장히 관심이 많으며, 이런 애매모호한 구조에 대해서 작곡을 했지만, 결국은 이런 애매모호한 구조가 있는지에 대해선 확실히 얘기할 수가 없습니다. 아마도 여러분들은 제가 철저한 계획 하에 이런 구조를 만들었을 것이라고 느끼실 지도 모르지만, 하지만 그런 것이 아니라 이것은 저의 즉흥적인 생각에서 나온 것입니다. 저는 이런 식으로 몇 시간이고 얘기할 자신이 있습니다. 하지만 인생이란 것은 무한적으로 시간이 있는 것이 아니기 때문에 이 자리에서 무한적의

로 여러분에게 말할 수 없을 것 같습니다. 이런 무한한 흐름을 막을 수 있는 것은, 중단 하는것 뿐입니다. 그렇기에 여기서 저의 얘기를 중단 하겠습니다.

* 질의 응답

Q 1. 선생님의 음악에 있어서 쉼표는 어떤 의미인지? ( 최근의 오페라 곡에서 보여지는 )

A. 그것은 그 무대의 상황에 의해서 어쩔 수 없이 만들어진 것 입니다.그 오페라는 굉장히 특수한 구조로 만들어졌습니다. 이태리피렌체하우스 위촉으로 작곡한 것 인데, 미국인 디렉터( 노바토룰슨) 가 작곡을 시작하기 전에 미리 스테이지 위의 상황을 정해준 것입니다. 이 오페라를 위해서 우리들은 1년 전부터 피렌체에 모여 회의를 하였습니다. 그리고, 몇 명의 연극하는 분과 댄서를 초빙했습니다. 음악도 텍스트도 결정되지 않은 상황에서 오페라의 음악의 설계를 결정 해버렸습니다. 그래서 노바토롤스는 무대 위에서 배우를 지시하면서 조명 등을 맞췄습니다. 대개 처음에 오페라 쓸 때에는 대본을 먼저 주고 곡을 만들고 나서 하는데, 이 디렉터는 무대 위에 배우나 무용가를 올려놓고 연극을 하다가 “아 여기부터 5분간은 음악” 다시 음악 없이 연극하다가 “아 여기부터 5분간은 내레이션” 이런 식으로 오페라의 구성을 정해 버렸습니다. 그렇기 때문에 작곡하기 전부터 이 부분은 침묵, 이 부분은 아리아, 이 부분은 내레이션이라는 조건이 정해져 버린 것 입니다. 또 시간도 예를 들어 3분 16초. 7분 이런 식으로 정확하게 작곡해야 했습니다. 결국 저는 이런 스트럭쳐를 가지고 작업을 하게 되었습니다. 결국, 미리 제시 받은 조건들이 있기 때문에 제 곡에도 자연적으로 영향을 받게 된 것입니다. 그러기 때문에, 전체적인 흐름에서 침묵도 하나의 중요한 부분요소로 자리를 차지하게 된 것입니다. 하지만 질문한 것 같이 쉼표가 가지는 의미를 질문 받는 다면 무대의 상황에 의해서 만들어 진 것 이라고 말할 수밖에 없습니다.

Q.2. 어떤 식으로 곡을 써나가시는지.. ( 위촉을 받았을 때 어떤 식으로 써나가는지 )

A. 아마도 작곡의 진행과정은 작곡가에 의해 틀려질 것입니다. 저의 경우, 작곡할 때 어떤 준비도 아이디어도 없이 시작합니다. 일단 책상 앞에 앉아서 뭐든지 생각나는 음을 적습니다. 하나의 음을 적고 그 음을 잘 듣고 그 다음 나온 음악에 대해 적습니다. 그리고 2번째의 음을 잘 듣고 3번째 음을 씁니다. 이런 과정으로 곡을 습니다. 때문에 그 곡을 작곡할 때는 어떤 길이와 어떤 구조를 갖는지에 대해서 처음엔 알 수 없습니다. 결국 다 쓰고 나서 아 이런 곡이되었구나 하고 알게 됩니다. 하지만 위촉 받았을 때에는 대부분 악기를 지정해주기 때문에 악기 편성을 항상 염두 해 둡니다. 예를 들어, 오케스트라 곡을 받았는데 플루트 하나로만 쓸 수 없는 것이기 때문이다. 그렇기 때문에 위촉을 받았을 때는, 악기의 편성만큼은 머리에 염두 해 둡니다. 그렇기 때문에 위촉 받은 곡을 쓰기 전에, 현재의 곡, 예를 들어서 지금은 피아노곡을 쓰고 있지만, 다음에 위촉 받은 곡이 오케스트라 곡이면 피아노곡을 쓰면서도 ‘다음엔 오케스트라야.’ 하고 자기 자신한테 쇠뇌를 시킵니다. 그러면, 피아노곡을 끝내고 나서 오케스트라 곡을 쓰기 위해 책상 앞에 앉아서 곡을 쓰면 피아노곡 만들 때와 같이 같은 음이어도 오케스트라의 음향으로 들립니다. 그래서 이러한 마음가짐이 위촉 받았을 때의 유일한 준비입니다. 그렇기 때문에 저한테 가장 곤란한 것은, 길이를 미리 부여 받는 경우 입니다. 왜냐하면 곡을 다 써야 알 수 있는데 그것을 미리 지정해버리면 그것만큼 곤란한 게 없기 때문입니다. 그래서 ‘몇 분의 곡을 써 주세요’ 라고 위촉 받았을 경우 “아, 몇 분의 곡이라도 저는 보증할 수 없습니다”라고 꼭 답변을 합니다. 저는 굉장히 뻔뻔한 인간이지만, 예를 들어서 20분짜리 곡을 위촉 받았는데 3분 안에 다 끝나는 곡을 썼을 경우 위촉료를 받지 못한 다는 것은 잘 알고 있다. 그렇기 때문에 결국 그 정도의 의식밖에 가지고 있지 않습니다. 위촉을 받았을 경우 그런 부분을 주위하고 곡을 습니다.  

Q.3.선생님은 음을 음 자체로 들리길 원하십니까, 아니면 음을 다룬 방식들로 들리기 원하십니까?

A. 양쪽 모두. 아마 듣는 사람의 자세에 의해 틀려질 것이라고 생각합니다. 저는 작곡가이기 때문에 음악을 작곡 한다는 것 보다는 음악을 듣는다는 쪽에 더 흥미를 가지고 있는 사람입니다. 아까 곡을 쓰는 과정에 대해서는 말씀 드렸을 것입니다. 첫 번째 음을 쓰고 두 번째 음을 쓰고 세 번째 음을 쓰는 아주 당연한 그런 얘기를 해 드렸을 것입니다. 중요한 것은, 첫 번째 음과 두 번째 음을 만들었을 때, 그 두 음을 확실히 들었을 경우에만 들릴 수 있는 세 번째 음을 쓸 수 있다라는 것입니다. 세 번째 음은 발견 한다는 자세로 세 번째 음을 고릅니다. 결국은 모래 사장의 수 많은 조개 중에서 어떤 하나를 고르는 작업과 같이 음을 고르는 작업을 하고 있습니다. 그렇기 때문에 저는 음악을 만든다는 입장보다는 음악을 듣는 입장에서의 음을 발견한다는 쪽에 더 가까울 거라 생각 됩니다.

Q.4. 예로 세 번째 음에서 네 번째 음들이 시작하기 전. 그 사이의 음향처리는 어떻게 하시는지요? (곡이 천천히 진행되는데, 한 음과 그 다음 번 음을 선택해서 쓰실 때에 이 두음 사이에서 어떤 현상, 잔향, 효과 등을 듣는 청중의 입장에서 어떤 식으로 듣기를 원하시는지)

A. 선생님께서 원하시는 답이 아닐지 모르겠지만, 어떤 식으로 들어야 하는가, 또는 이렇게 들어야 한다는 것에 대해서 생각해 본적이 없습니다. 듣는 사람에 의해서는 여러 가지로 들을 수있는 것이기에 사람들에 따라 틀려지는 것이라고 생각합니다. 오늘 말씀 드린 저의 음악세계는 저의 작품을 제가 해석해서 말씀 드린 것뿐이다. 달리 말하자면, 내 음악을 내가 듣고, 내가 어떻게 느꼈는가에 대해서 여러분에게 얘기한 것입니다. 극단적으로 말하자면, 제가 석양을 보고 어떻게 느꼈는가에 대해서 이야기 한 것과 마찬가지의 이야기 입니다. 솔직히 제가 쓴 작품이 어떤 것인가에 대해서 제 자신도 정확히는 잘 모르겠습니다. 어떻게 들어야 하는 가에 대해서도 잘 모르겠습니다. 잘 모르기 때문에 재미있는 것입니다. 만약에 제가 쓰는 음악에 대해서 제 자신이 정확히 알고, 이 음악을 어떻게 들어야 하는가에 대해서도 정확히 말 할 수 있는 순간에 저는 작곡을 그만둘 것 입니다. 도움이 되는 대답이 되었으면 좋겠습니다. 감사합니다.

Jo Kondo: Born in Tokyo in 1947, Jo Kondo graduated from the composition department of Tokyo University of Arts in 1972. He spent a year in New York on a scholarship from the John D.Rockefeller Ⅲ Fund in 1977-78. In 1979 he taught as guest lecturer at University of Victoria, British Colombia, invited by the Canada Council, and in 1986 resided in London as a British Council Senior Fellow. In 1987 he was composer in residence at Hartt School of Music, Hartford, Connecticut, USA, and taught at Dartington International Summer School in England. At present he is Professor of Music at Ochanomizu University in Tokyo, and also teaches at Tokyo University of Arts and Elisabeth University of Music in Hiroshima. In 1980 Kondo founded the Musica Practica Ensemble, a chamber orchestra devoted to contemporary music, and was artistic director of the group until its disbandment in 1991.

He was written more than eighty compositions, ranging from solo pieces to orchestral and electronic works, which have been widely performed in Japan, North America and Europe and recorded on Hat Art, ALM, Fontec Deutsche Grammophon and other labels. He has received commissions from numerous organisations, and his music has been featured at many international music include the condoctor Tadaaki Otaka, the pianist Aki Takahashi, the Ives and Nieuw Ensembles in the Netherlands, the London Sinfonietta and many others.

Kondo has written extensively on musical matters, and since 1979 he has published four books spelling out in detail his own aesthetic and compositional ideas. He is also an associate editor of Contemporary Music Review. During 2000 he directed the composition classes at the Dartington International School of Music and was on the jury of the Gaudeamus International Composer’s competition.