세미나

박 은 하

이 글은 지난 10월30일 열린 21세기악회의 제4회 세미나

에서 발표되었는 내용입니다.

오늘 강연은 제 작품세계에 관해 이야기 하려고 합니다. 전 다작(多作) 작곡가는 아닙니다. 오히려 굉장히 느린 속도로 작곡

하는 스타일에 속하며, 한 해에 2-3곡 정도를 작곡했다면 괜찮은 편입니다. 특히, 오케스트라곡의 경우는 거의 반년 이상의

시간이 걸리는 분야 입니다. 먼저 저의 작품 리스트를 봅시다[ 표1 ]. 아래의 작품들은 학교제출곡에서 벗어난 자유스러운

입장( 1996년부터 )에서 쓰기 시작한 곡들입니다. 다시 말하자면, 저의 음악작품의 출발선으로도 볼 수 있습니다.

[ 표1  ]

세미나 주제로 어떤 이야기를 할까 많이 망설였습니다. 대체로 한국의 작곡가에 국한되지 않고, 외국의 작곡가도 그러하다

고 생각되여지지만, 가장 먼저 자신이 어떠한 생각에 작곡을 하고 있는지, 결국 작곡의 이론적 또는 사상적인 배경을 이야

기 하고, 그 실현으로 자기의 음악을 듣려주고 이야기를 마무리 하는 것이 보통이라 생각되어집니다. 그것이 가장 일반적으

로 진행되는 순서로,이론적인 방법이다라고 생각되여지고 있지만, 저의 경우, 그러한 진행은 별로 유효하지 않다는 생각이

들어, 오늘은, 지금까지 해왔던 반대 순서로 이야기를 진행하고싶다는 생각이 듭니다. 그렇기 ��문에 먼저 가장 처음으로,

가장 최근에 녹음된 저의 오케스트라 작품을 CD로 듣고서, 그 후에, 제가 실제로 어떤식으로 작곡을 해 왔는가에 대해서 이

야기를 하도록 하겠습니다.

1. 대편성 오케스트라를 위한 ＜에밀레 종의 전설＞ ( 2001 )

  먼저 곡을 듣어보겠습니다. 이것은 대편성 오케스트라를 위한 작품으로, 2001년에 완성된 작품입니다. <에밀레 종의 전설

>이라는 작품명입니다. 제71회 일본음악콩클 ( 주최：마이니찌 신문사 / NHK )에서1위에 입상한 곡으로, 초연( 2002 )은 동

경 필하모닉 오케스트라에 의해 연주되었으며, 2003년, 新일본필하모닉교향악단에 의해 재연주 되어진 곡입니다.

이 곡을 어떻게 작곡했는지에 대한 이야기에서 부터 시작하겠습니다. 이 작품에 국한되지 않고, 저의 요근래 9년간의 작곡

은 거의 대부분 동일한 방법에 의해서 이루어져 왔습니다. 작곡가에게 있어서, 작곡의 방식은 여러가지가 있으리라 생각되

어 집니다. 일반적으로, 예를든다면, 표현하고자 하는 그 무언가가 마음속에 어렴풋이 있어, 그것을 표현하기 위해서 작곡

을 하는 작곡가도 있습니다. 또는, 좀더 구체적인 음의 조직 또는 음계  또는 음렬과 같은 음을 구성하는 조직적인 이론을

준비해서 작곡을 시작하는 사람도 있을 것입니다. 결국, 보통은 작곡에 앞서서 그 무언가를 준비하는 것이 있습니다.  저의

경우는 먼저 작품명을 정하는 동기가 필요합니다. 작품명을 정하는 과정은 저에겐 퍼즐 찾기와 같은 즐거움을 가져다 주기

때문입니다. 물런, 작품명과 작품이 항상 연관성을 같지는 않습니다. 다시말하자면, 곡을 쓰기전에 느끼는 두근거림과 작은

행복을 맡볼수 있는 과정일 뿐입니다. 예를들면 ＜에밀레종의 전설＞도 한국사람들이 일반적으로 알고 있는 이야기를 갑자

기 끌어다 작품명으로 잡은것은 아닙니다. 일본 유학초기시절, 종근당에 다니는 대학 동창이 보내준 CD가 그 시초였습니

다. 종근당은 4년에 한번씩 종에 관한 심포지움을 개최한다고 합니다. 그 친구가 보내준CD에도 몇몇나라의 유명한 종 소리

와, 우리나라의 에밀레종 소리가 녹음되어져 있었습니다. 난생 처음 들어보는 에밀레종 소리는 순간적으로 닭살이 돋칠만

큼 부드러웠습니다. 그 후, 저는 언젠가는 이 종소리를 소재로 한 곡을 작곡해야 겠다고 생각했습니다. 드디어 2000년 가을

부터 작곡을 시작하였습니다. 이 곡의 시작은 종을 만드는 장인이 꿈을 꾸는 장면에서부터 시작합니다. 꿈에서 단 하나뿐인

자식을 종을 만드는 불 가마솥에 던져넣는 희생이 있어야 이 세상에 둘도 없는 아름다운 종소리를 만들어 낼 수 있다는 것

을 알게된 그는, 예술가 또는 한 사람의 부모로서의 입장 사이에서 방황하다 마침네 자식을 가마솥에 던지는 장면에서 곡은

끝을 맺고 있습니다. 사실 그 이후의 이야기는 저도 아직까지 천상의 소리인 그 종소리를 어떻게 표현해야 될지 모르기 때

문에 이야기 도중에 곡을 마쳤습니다. 예술가로서의 입장을 우선적으로 고려한 그야말로 진정한 예술인 이라고 생각하면

서, 이 이야기를 오케스트라곡으로 표현하고 싶었습니다

[ 악보1 ] 제1-4마디

작품명이 정해지면, 아무런 준비도 하지 않고 갑자기 작곡을 시작합니다. 그러면 구체적으로 어떤 식으로 작곡을 하는가

하면, 먼저 가장 최초의 음이 생각이 날때까지 기다립니다. 무작정 기다리지만, 그것은 하늘에서 내려오는 악상을 기다리는

것과는 틀림니다. 단지, 곡의 시작을 음 하나, 예를들면 <라> 또는 <미b> 와 같은 것입니다. 실제로, 어느 음에서 시작하여

도 상관없는 것입니다. 결국은… 그렇기 때문에 기다리고 있다기 보다는, 어째든 시작할 음을 먼저 고른다는 표현이 더 어

울릿 듯 합니다. 그리고, 시작할 음을 결정하면, 그것을 몇번이고 듣습니다. 물런, 이 음은 추상적인 음고로

서의 <라>또는 <미b> 가 아니며, 만일 오케스트라 곡을 쓴다면, 예를들면 베이스 클라리넷과 트론본이 함께 �횻컨�, 어느

정도의 음길이를 가진 특정의 음색을 가진 <라> 라는, 굉장히 구체적인 음으로 생각되여 지는 것입니다. 작품명을 정하고

첫 음을 정하면서 작곡을 시작하지만, 그것이 어느 정도의 길이를 가진 곡이 될찌, 어떤 분위기를 가진 음악이 될지는 전혀

상상이 안갑니다. 그것은 작곡이 끝나고서야 겨우 알 수 있는것입니다. 처음의 음이 어째든지 결정 되어지면, 그것을 몇번

이고 반복해서 듣습니다. 듣는 중에 두번째 음을 결정하는 것입니다. 이것은 바보같이 당연한 작업순서 입니

다. 이 두번째 음에서부턴 수직적인 음정구조를 생각합니다. 그리고, 다시 전 첫번째음과 두번째음을 듣고서 세번째 음( 수

직적 음정구조를 포함 )을, 세번째 음이 정해지면, 다시 첫번째음과 두번째음과 세번째음을 듣고 네번째 음(수직적 음정구

조를 포함 )을 적습니다. 항상 처음부터 듣고 순서에 따라서 하나 하나 앞으로 전진하는 것입니다. 그리고, 그것이 한페이지

두페이지 …삼십페이지가 되면, 또다시 그것을 방 전체 가득 하나의 그림같이 이어서 펼침니다. 그리고, 아주 멀리서 그림

을 감상하듯이 음악의 흐름을 되 집어 보는 작업을 몇번이고 반복해서 합니다. 이런 작업을 통하여서 악보를 가까이 접했을

땐 알지 못했던 부자연스러움을 발견하게 되는 것입니다. 이러한 방법은 자연스러운 곡 진행의 흐름을 볼 수 있는 눈을 가

지게 합니다. 이것은 오케스트라에서 부터 솔로편성에 이르기까지 항상 행하여지는 방식입니다.

이런 작곡방법은, 어떤 체계도 어떤 규칙도 없습니다. 단지 듣고 생각이 떠오르는 대로 음을 나열해 나가는 방식입니다.

그렇지만, 이러한 음을 떠올리는 작업은, 순수한 무전제의 직관에 의지하는것만은 사실 아닙니다. 예를들면, 최초의 음뒤에

두번째 음을 적었다고 한다면, 그 두 음 사이에는, 당연히 , 어떠한 상호관계가 생기게 됩니다. 이러한 상호관계에 착상을

둔 것이 저의 작곡방법입니다. 이러한 상호 관계는 수평적인 것 이외에도 수직적인 면에서도 성립되는 것입니다. 먼저 수평

적인 음의 상호관계성에 관해 말하자면, 특별히 새로운 것은 아닙니다. 예를들면, 선율이라는 것은, 차례차례로 열거되어지

는 음들이 서로 관련을 가져 하나의 덩어리로 들을 수 있습니다. 끝없이 이어지는 음을 끊어지는 부분 없이 어디까지고 계

속적으로 열거한다면, 이것은 선율도 그 무엇도 아닌 단지 음의 나열에 지나지 않는 다고 생각되어진다. 하지만, 어디에서

든지 끊어지는 부분이 생겨난다면 , 처음으로 선율이라는 형식이 성립한다고 생각되어집니다. 결국, 몇개의 음들이 서로 관

련성을 가지면서 하나의 선율로 들려지는 것입니다. 이것은 수직적으로도 같은 생각으로 사용되어질 수 있습니다. 만일 모

든 악기에 음 하나하나을 다 열거한다면 그것은 하나의 덩어리에 지나지 않게 됩니다. 하지만, 이것을 어느 부분에서 끊어

줌으로써( 어떤 악기를 빼는가에 의해서 ) 음정관계를 가진 화성을 지닌 구조로 발전하게 되는 것이다. 결국은 수평과 수직

의 음과 음사이의 관계성에서 어떻게 끊어주는가에 의해 선율과 음정구조를 가진 화성이 성립하는 것이다.

리듬은 어떨까 하면, 음악에는 여러가지 박/비트(拍)가 있습니다. 악센트가 있는 박 또는 없는 박, 또는 긴 박과 �F은 박

과 같은, 강박과 약박, 길이도 여러가지입니다. 이런 악센트가 있는 박과 없는 박 몇가지를 하나의 덩어리로 보거나, 또는

길고 짭은 박 몇가지를 하나의 덩어리로 보는 것으로, 리듬이 성립되여지는 것입니다.이러한 작업을 통해서 모여지고 해체

되는 박이 나의 리듬을 이루게 되는 것이다.

2. 알토 플루트, 바이올린 그리고 첼로를 위한  ＜병풍위의 달＞( 1998 )

다음 작품으로 알토 플루트, 바이올린 그리고 첼로를 위한  ＜병풍위의 달＞를 들어 보겠습니다. 이 작품은 코치(Koch)

앙상블에 의해서 1998년 초연된 곡입니다.

[ 악보2 ] 제1-9마디

이곡은 매일 밤, 사랑하는 사람을 그리워 하는 여인이, 연인의 마음의 변화를 변해가는 달에 비유하면서 병풍에 그림을

그리고 있는 것을 달이 그녀의 방을 비취면서 그녀의 그림을 바라만 보고 있는 것을 그린 작품입니다. 한 폭의 동양화 같은

그림같은 표현을 이 곡에서 나타내고자 하였습니다. 특히, 알토 플룻의 molto vibrato와 장식음의 사용, 바이올린과 첼로는

피아노와 같은 역활을 하여 마치 알토플룻과 피아노를 위한 이중주와 같은 효과를 보여주고 있습니다.

이곡에서 말하고 싶었던 것은, 작곡가의 객관화된 자세(姿勢)를 들 수 있다. 알토 플룻에 많은 장식음과 molto vibrato 를

사용하였다. 이 두가지 요소는 한국의 전통적 음악중에서 볼 수 있는 것입니다. 보통은 전통에서 생긴 요소, 예를들면 선율

또는 리듬을 작곡가 자신의 작품에 입력함으로서 한국적인 것 이라는 생각을 하게 되고, 이를 곧 전통적이라고 보는 견해가

일반적으로 지지받고있는 사고라고 생각이 듭니다. 하지만, 예를들어 한국의 전통적 음악의 요소를 모방한다면, 전통을 지

닌 그 자체의 음악이 되기 때문에, 한국의 전통적 음악에 대해서는 어떠한 자세로 접근해야 하는지를 알아서 그것을 자신의

곡에 입력하는 것이 저에게 있어서의 ＜전통적인것 즉 한국적인것＞ 이 되지, 단지 전통의 요소( 음계,리듬 등등..)을 사용

하는 것이 한국 전통적인 것은 아니라는 생각을 가지고 있습니다. 이러한 사고를 기본으로 가지고 있으면서 이 곡에서 본격

적으로 장식음과 molto vibrato 요소를 사용하기에 이르렀다.

3. 솔로 플루트를 위한  ＜This War＞( 2004 )

다음곡으로 가장 최근작품중 한 가지인 솔로 플루트를 위한  <This War> 를 듣겠습니다. 이곡은 타꾸 쥰이치로( Taku

Jyunichiro ) 의 연주로 2004년 초연되었다.

[ 악보3 ]제 93-118마디

이 작품은, 지금까지 제가 작곡해온 작곡방법에 표기기법을 좀더 자세히 서술한 작품이다. 보통의 호흡에 인의적인 제

제(불규칙적인 끊음)를 가해서, 좀더 축소된 또는 좀더 확대된 호흡주기를 해 주길 바랬다. 그것은, 마치 인위적으로 일어

나 버린 전쟁터를 표현하고자 한 것이기도 하다. 그리고, 소리를 내면서 연주하는 주법과 곡 중간 중간에 집어넣은 대사는

극적인 상황반전을 나타내고자 하였다.

4. 작품에 대한 작곡가의 태도

  마지막으로, 이 세미나와는 직접적으로 별 관련이 없는 문제이지만, 항상 저를 궁금하게 만든 몇가지 주제중 하나는 <음

악은 어떻게 진화되 왔을까?> 라는 것이었습니다. 저는 유학 초기에 읽은 사설이에서 이 물음에 대한 답을 찾을 수 있었습

니다. 물론, 이 가설이 가장 정확하다는 것은 아니지만,많은 생물 학자들이 내놓은 가설중 다윈 ( C. Darwin )의 저서 「인간

의 유래」에서의 주장이 바로 그것이었습니다. 그 가설은 다음과 같았습니다.

인간으로 진화한 어떤 동물이 , 수컷이든, 암컷이든, 아니면 둘 다든, 서로 간의 사랑을 정교한 언어로 표현할 수 있기 전에

는 음과 리듬을 사용하여 서로를 유혹하려 했을 것이다( The Descent of Man, and Selection in Relation to Sex , 1871 ).

결국은 본능적으로 종족번식을 위해서 가장 노력하는 어떤 동물( 수컷이든 암컷이든)에 의해서 음악이 발전해 왔다는  생

각이 가장 인간답다라고 전 생각했기 때문입니다. 그러면서, <가장 나 다운 음악은 어떤 것일까?> 라는 생각을 하게 되었습

니다. 작곡은 가장 창조성을 필요로 하는 작업이라 생각합니다. 그러므로, 작곡하는 기술은 누구에게 가르치거나 배울수는

있지만, 창조적 정신은 위의 다윈의 가설에 나오는 인간으로 진화한 어떤 동물처럼 타고난 능력이라는 생각이 듭니다.그러

면, 타고난 능력이 없는 작곡가는 위대한 작곡가가 될 수 없는 것이 아니냐? 라는 지레짐작에 많은 작곡가들이 의욕상실을

하는 것을 보아왔습니다. 물런, 저도 꽤 많은 의욕상실을 경험했었습니다.

하지만, 저의 창작활동의 중심생각이 되는 것는 「작품에 대한 작곡가의 태도」입니다. 그것은 다음과 같습니다.누구나 한

번쯤은 경험하는 것이 <더 이상 작곡에 자신이 없다..> 라는 탄식일 것입니다. 작곡을 몇년씩이나 하면서, 어느 정도 납득이

가는 곡을 몇곡 정도 쓴 후는 더더욱 작곡에 자신이 없는 시기를 맞이하게 될 것입니다. 그것은 무의식중<나는 더 잘 곡을

쓸수 있는데…>라는 생각이 생겨나기 때문입니다. 그것은, 사실, 작곡을 하고 있는 작품에 불만을 느끼기 시작하면서 생겨

납니다. 이러한 상항을 극복하기 위해서는, 어째든, <항상 그 순간 순간에 자신이 가지고 있는 힘을 전력을 다해 작곡에 쏟

아 붇는 자세> 그것뿐입니다. 이렇게 해서 완성된 작품이 운 좋게 굉장한 곡일 수도 있지만, 운 나쁘게 그다지 좋은 곡이 아

닐 수도 있습니다. 하지만, 작곡가는, 인간인 이상, 다윈이 말하는 서로를 유혹하기 위해서 음과 리듬을 사용한 인간으로 진

화한 동물 이상의 창조적 정신을 가지고 있지만, 항상 걸작(傑作)만을 작곡하진 못한다고 저는 생각합니다. 오히려, 그다지

만족하지 못하는 작품이 더 많은 것이 당연합니다. 그러므로, 완성된 작품의 좋고 나쁜에 온 신경을 곤두세우기 보다 더 중

요한 것은, 작곡가로서 항상 전력을 다해서 작곡을 하는 마음자세(작곡 태도) 라고 생각되어집니다. 그리고, 이러한 작곡태

도는 지금까지의 제 작품속에 묻어져 왔습니다.
　

  ■ 박 은 하
숙명여자대학교 및 동 대학원 졸업. 동경 예술 대학( Tokyo National Univ. of Fine Arts and Music ) 석사졸업. 현재, 히로시마 소재 엘리자베스 음악대학( Elisabeth Univ. of Music ) 박사과정수료. 최승준 , Matushita Isao , Kondo Jo 사사.