음의 의미

인간은 자기가 알고 있는 단어(개념)만큼 말한다. 이 말은 어쩌면 인간은 자기가 알고있는 단어 만큼 사고한다는 말로 조심스럽게 바꾸어 말할 수 있을 것이다.

그럼에도 불구하고 수많은 사람들이 때로는 대립되고 때로는 유사한 이 개념(단어)들 사이를 방황한다. 왜냐하면 이 개념과 개념 사이에는 수많은 놀라운 관계성이 존재하기 때문이다.

따라서 이 무궁무진한 개념들간의 조화는 우리가 "알아차림"으로 가질 수 있는 것이다. 또한 인간은 각 개인이 경험한 개념들(이성적 계기와 감성적 계기)의 전체적 조화속에서 고유한 언어의 패턴까지 가지게 되는 것이 아닌가 생각된다.

그런면에서 언어는 촘스키가 말한 대로 "생득적"이다(태어나면서부터 인간에 내재되어 있다)라는 말이 설득력이 있어 보인다. 그러나 음악에서의 음의 의미는 그렇지가 않다!

많은 사람들이 음악의 "음"이 어떤 언어적 유사성(Sprachähnlichkeit)을 가질 수 있다(역사적으로 통용된 어떤 표현의 보편성 같은 것으로)고 생각한다. 그러나 이것은 불가능하며 그렇게 되어서도 안된다. 왜냐하면 음악에서의 음은 우리 속에서 개념으로 내재하는 것이 아니라 그 음 자체로 우리밖에 그냥 있는 것이다. 따라서 음악을 만든다는 것은 어떤 새로운 음을 우리가 만드는 것이 아니라 이미 존재하는 음을 우리가 유심히 관찰하고 새롭게 느껴보는 의식이다.

"나"라고 하는 의미, 이념, 감정의 형태(공통적인 것도 있고 주관적인 것도 있다)를 투과하여 나타난 이 음들은 발생과정에서는 "나"라는 자아를 거치지만 발생하고 나면 철저히 나로부터 독립적인 것이 된다. 다시 말하면 내가 뿌려놓았지만 그것이 어떤 열매가 될지 나는 결코 알 수 없다는 것이다. (청취자들의 주관과 경험의 방식이 개입됨으로) 따라서 그 결과에 나는 또 다시 그 음들에 반응하는 하나의 개체가 되는 것이다. 이것이 바로 음악이 우리에게 요구하는 무개념적 인식인 것이다. 즉 개념의 힘(개인적 동기)으로 개념에 침식해 들어가고(음을 만들고) 그럼으로써 비개념에 도달하는 것이다. (새롭게 태어난 그 음에 의해 우리는 다시 다른 동기들로 흩어져간다)

    음악이 음을 만든다.

얼핏 평범해 보이는 이 명제는 그 역의 명제에 의해서 그 의미가 모호해 진다.

"음이 음악을 만든다?"

헤겔의 말을 인용하자면 음은 이중부정의 외화(外化)이다. 즉 음은 공간성과 감각적 실재성이라는 이중의 외면성을 부정한다. 따라서 음은 어떤 추상적 의미를 지니지만 개념이 없다. 즉 음악은 정형화된 사고형태가 아니다. 무의식의 언어, 감정의 언어, 언어 이전의 언어인 것이다. 따라서 음악은 내적 주관성의 원리이며 전적으로 내면적 표현양식이다. 따라서 음악은 과정적 현상을 필연적으로 가지며 이 과정적 현상은 음악적 시간이라는 형태로 시간 속에 놓여진다. 따라서 음이 음악을 만든 다기보다는 규정된 음악적 시간. 즉 음악이 음을 만든다는 것이 더 타당하며 또한 음들이 음악이 아니라 "음악적 시간 자체"가 음악이라는 명제를 가능하게 하는 것이다. 따라서 이 개념의 극대화된 확장의 예가 J. Cage의 자연과 역사의 대립에 대한 표현으로서의 "화해의 양상"이 아닌가 생각된다.

    총체적 관계성의 집약으로서의 음.

    "gray image " for stringtrio (1999/2002) 1악장 시작부분 중에서

     ( 음에 매개되어 있는 변수들에 대한 예)

음악적 시간과 개별 음의 관계성에서 우리는 수많은 매개변수(Parameter)를 발견할 수 있다.

이것은 흡사 앞에서 언급한 언어의 특징인 개념과 개념의 경계선 즉 조화와 관계성으로부터 발생하는 수많은 신비로운 의미들과 비교될 수 있을 만큼 중요한 것이다.

하나의 음에 관계된 모든 개념들 즉 음자리표, 리듬, 음색, 강약, 피치, 호흡, 길이, 그리고 다른 음들과의 관계의 변화를 살피는 것 즉 음을 살아있게 하는 근원을 유심히 바라보는 것이 작곡이라는 행위인 것이다.

물론 창작의 동기는 내적인 것의 감정적 형태이다. 물론 이 동기가 언어와 유사한 어떤 은유나 환유적(개인의 주관적)질서의 의미로 자리 매김 될 수 있지만 외적으로 표상 되는 현상의 측면으로서의 작품의 동기는 작품을 구성하는 매개 변수의 관계전체에 대한 충동이다. 따라서 이러한 음이 음의 기능을 하게되고 음이 현실화되는 것이 음악의 과정이다.

     내 음악의 유일한 청취자인 나

음악은 만들어지고 나면 운명적으로 객관으로의 전향을 향해 나아간다.

물론 새롭게 작곡된 음악은 그 고유한 현상적 특수성을 동반하지만 또한 보편적 공감대라고 하는 역사적 유산의 객관성 위에 놓여지게 된다. 따라서 여기에는(음악이 객관화되는 현상) 너무나 많은 작곡가의 희생과 자기 상실감이 요구된다.

이것이 지금을 살고있는 우리에게 느껴지는 음악이 주는 받아들이기 어렵고, 어쩌면 작곡가 개개인이 견디어 내어야할 운명 같은 것이다. 또한 객관화가 이루어지고 나면 나는 나의 음악이 나를 속였거나 혹은 나는 대중들을 기만했다는 자학으로 괴로워진다. (객관화의 필연성에 따르는 운명적인 유혹"미메시스"에 관한 문제)이것이 작곡가의 운명이다.

나는 내가 작곡을 할 때 만들어진 후에 발생할 사건들에 대해 생각하지 않으려고 노력한다. 최소한 완성이전의 과정에서 나는 나의 주관과 나라는 역사적 존재를 잃어버리고 싶다. (물론 이것이 선행되지 않으면 나의 작품은 객관으로서의 전향 자체가 불가능하겠지만..)

작곡 과정에서 나는 겨우 내 음악을 들을(발견할)수 있는데 그나마 이 음악은 객관화되면서 내가 알아차렸던 음악적 현상은 사라지고 희미한 작품의 동기적 감정들이 작은 기억들로 나에게 다가온다.

     "p∼ppp" ( 피아노-피아니시시모 )

절대적인 한 음의 울림 현상을 기준으로 할 때 똑같은 음에서 f와 p는 같은 매개변수를 가진다그러나 우리의 인식 능력으로 볼 때 f보다는 p가 훨씬 더 많은 매개변수를 감지한다. (특히 음색적인 측면에서는)

여기서 나는 음악 현상의 아이러니중 하나를 이야기하고 싶다.

도대체 선명한 음(심지어 아도르노가 형식의 문제에서 "명료한 표현"의 개념에 대해 언급하지만)의 조건이 무엇인가?

여기에는 여러 가지의 조건(음색, 강약, 음고, 음가 등등)이 주어지겠지만, 그럼에도 불구하고 매우 주관적인 대답들이 있으리라 생각한다. 그러면 선명한 음이라는 개념대신 관찰하기 쉬운 음의 개념은 무엇인가? 때때로 우리는 음악에서의 강약을 거리감에 비유합니다. 큰 소리는 가까이 있고, 작은 소리는 멀리 있으며, 크레센도는 다가오고 디미누엔도는 사라져 간다고 이야기합니다. 그러나 음이 너무 가까이 있다면 아이러니컬하게도 관찰되어지는 것은 별로 없습니다. 소리가 너무 크면 모두 매개변수들이 마치 하나로 굳어 버린 듯이 파악하기 어려운 상태로 들리기 때문입니다.

예를 들면 Cluster를 f로 치는 것보다 p로 치는 것이 그 구성 음을 알아차리기 쉽습니다.

물론 이런 생각들은 너무 주관적으로 선명한 음의 개념을 규정하려는 저의 의도 때문에 생긴 결론이 아닌가 생각됩니다만…….그럼에도 떨쳐버릴 수 없는 확신이 하나 있습니다. "오히려 멀리 떨어져 희미하기에 더 많은 것을 들을 수 있는 것이 음이 아닐까요?"

    파편화되고 나열화된 조각들로써의 나의 음악

        "gray image" for stringtrio (1999/2002) 36개의 조각중 네번째와 여덟번째

시간으로서 현재는 '무'이며 그 붙잡음을 과거지향 그리고 다가올 기대를 미래지향이라 생각한다.

사실 저는 5분 아니 어쩌면 3～4분 정도 이상의 음향적 전체성을 시간 위에 올려놓고 정확히 예측할 능력이 없다.

내가 의심하지 않는 사실 하나가 있는데, 음악적 시간의 경과 중에서 과거의 것은 어떤 지각의 형태로 남는 것이 아니라 심리적 형태로 기억된다는 것입니다.(물론 부분적 지각형태를 동반하지만) 즉 어떤 시간의 전체라는 개념은 대상(gegenstand)과 주관사이에 발생하는 수많은 현상

들로 우리는 이것을 일일이 지각해서 종합할 수 없습니다. 그러하기에 음악에서 어쩔 수 없이 반복이라는 개념이 도입되고 그럼에도 이 반복에 의한 강조(동어반복)도 우리의 인식의 형태라기보다는 심리적 움직임으로 자리매김 되는 것입니다. 따라서 작곡과정에서 나는 내가 나의 인식과 감정적 형태가 어우러져 받아들일 수 있는 한계 시간만큼의 짧은 조각들로 음악을 나열할 뿐입니다. 물론 그 경과형태나 시간 형태에 따라 전체라는 특징들이 듣는이들의 주관적 방식에 의해 저마다의 결과들로 자연스럽게 도출되겠지만…….

"시간 그 자체가 의식되는 것이 아니고 의식되어진 "시간대"가 의식되는 것이다."

(내적 시간의 현상학-E. Hussel)

    음에 내재된 변화의 사건들

    현악 3중주를 위한 "회색 이미지"에 대하여…….

기본적으로 음악과 회화라는 예술의 두 장르에는 아무런 "동질성"이 없다. 그럼에도 불구하고 오랜 기간동안 나는 Mark Rothko의 "부유하는 색블럭"(blocks of color)이 있는 그림에서 무한한 음악적 영감을 상상하곤 했다. 유한한 존재가 거대한 무한성을 만났을 때 느끼게 되는 "고통의 인식" 그것이 바로 내가 그의 회화에서 동감하는 "존재의 비극성"이다. Rothko의 추상공간은 마치 "작은 영혼의 집"같은 느낌을 주는데 그 곳에 있는 창문을 통해서는 아무 것도 볼 수 없으며, 모든 출구는 닫혀 있고, 영적인 절망감에 배회하는 "두 개의 색 블록"이 나를 향해 다가온다."비극, 환희, 운명 같은 인간의 근본적인 감정의 형태"로…….

이 작품에 나타나는 짧은 일곱 개의 악장은 무색의, 단조로운, 희미한, 음침한, 무서운, 어두운, 절망과 같은 회색의 상징성들로 자리매김 되어 있고 그 속에는 총 36개의 fragment(음향 조각)들이 들어있으며 또 그 속에는 극단적으로 짧은 54개의 음향적 사건들이 들어있다.

     왜 로드코 인가?

Mark Rothko(1903~1970)

  · 1903. 러시아의 드빈스크(Dvinsk)에서 유태인 약사의 아들로 출생

  · 1910. 미국으로 이주, 1913. 오레곤에 정착

  · 1921. 예일대 장학생으로 입학. 그러나 당시 반유대주의로 장학금 취소. 다시 고학, 대학중퇴하고 뉴욕으로 감.

  · 1933. 뉴욕과 포틀랜드에서 개인전 가짐, 잭슨폴록, 윌렘드쿠닝, 아실 고르키등을 만남

  · 1947. 그의 완숙한 양식 “blocks of color”가 있는 추상양식 나타남

  · 1960. 명성이 정점에 달함. 팝아트의 출현에 분노함

  · 1970. 스스로 동맥을 끊어 자살

로드코의 일생에서 그의 작품의 추상화과정이 나에게는 그 어떤 추상화가의 작품보다도 그가 추상의 본질을 향해 나아갔다고 여겨진다. 또한 그의 추상화 현상은 점점 더 공간 폐쇄적이고, 불안하고, 떨고있으며, 삶의 근본적인 두 개의 지평 즉 삶과 죽음만을 암시하는 듯 하다. 여기서 나의 상상력은 음이 하나의 일련된 추상화 과정으로 변이되어 갈 수 있다고 생각됐고, 또한 폐쇄적이고 불안하고 떨리면서 변화해 가는 어떤 불안한 진행 과정들을 표현할 수 있으리라고 생각했다.

음의 추상화 과정의 표현 중 예를들면 긴 하나의 지속음에 가해지는 음색의 변화(즉 sul tasto→ p. ord→ sul p.→ molto sulp.→ auf dem steg→ hinter dem steg)이다.

여기서 음은 그 고유성을 상실하고 추상화 되어 알 수 없는 최고조의 음고와 함께 어떤 확실히 규정되지 않은 것이 된다. (물론 이러한 비유가 객관성을 띄는 것은 아니지만…….)

또한 그의 회화는 어떤 일련의 진행 과정이 한순간 멈추어 버린 듯한 인상을 준다. 이 의미는 마치 조금 더 진행될 수도 있었고 어쩌면 조금 덜 진행되었을 수도 있었다는 뜻으로 받아들여 진다. 그것은 내가 그의 회화에서 느끼는 다양한 시각적 거리감과 무관하지 않다. 또한 이 시각적 거리감이 이 음악(회색 이미지)에서는 시간적 거리감으로 표현된다. 나는 이 곡의 5번째 악장이 나로부터 가장 가까이 있음을 느꼈고 1～4악장은 나를 향해 다가오고 6～7악장은 나로부터 멀어져 가는 느낌으로 시간적 거리감을 표현했다.

        "gray image " for stringtrio (1999/2002) 중 3악장 13번째 조각

    왜 회색인가?

우선 색으로서의 회색에 대하여 생각해보자. 얼핏 회색은 단순해 보일 수 있다. 그러나 회색의 근원적 원인에는 검정이라고 하는 어둡고 부정적인 색깔이 반드시 매개되어 있다. 우선 극단적 대조로 회색을 만들려면 검정색과 흰색의 융합하면 된다. 그러나 그 어떤 색깔에도 검정색만 섞으면 회색이 된다. 이것은 검정색과 섞이는 모든 다른 색들은 섞이는 순간 그 고유성이 상실된다는 어떤 절망 같은 것을 내포하고 있다. 그럼에도 불구하고 검정색과 섞이는 다른 색들은 그 다양성 때문에 다양한 회색의 종류가 탄생하기도 한다. 또한 은유화 되고 상징화된 회색의 이미지는 부정적 개념들을 내포하고 있다.

화가 마크로드코가 그의 작품에서이든 혹은 그의 삶(동맥을 끊고 자살함)에서이든 그를 둘러싼 삶의 고통들과 진정한 화해를 하였는지는 알 수 없다.

그의 회화는 사실 회색이 아닌 많은 다른 색깔들로 완성되었다. 그러나 그 이미지는 최소한 나에게는 회색이다. 그의 회화에 깃든 두 개의 차원(바탕색과 그 위를 부유 하는 하나 혹은 두 개의 "색블록"(blocks of color) 그것은 일종의 대립이며 분리이다.

내부세계와 외부세계의 분리, 의식의 발생에서 초래된 나와 세계의 분리, 사유와 행동의 분리, 인간과 자연의 분리, 나와 너의 분리, 삶과 죽음의 모순, 분열, 소외 그런 것이다.

그 대립된 것들의 경계선을 방황하는 인간! 회색은 바로 이러한 것들의 이미지 이다.

"gray image " for stringtrio (1999/2002) 5악장에서 6악장으로 넘어가는 부분  

검정색이 회색으로 밝아지는 음향적 표현(주관적 은유)

    (위의 두(악보  와 ,  )대조적인 음향조각들은 이 곡 전체에서 가장 큰 음향적 전환점으로 자리매김 된다.)

    시를 따라나선 음악적 은유 -가곡 "나비"에 대하여-

만약 나의 내면으로부터 작은 소리들이 울려나와 내 귓가에 머문다면 이 작은 울림은 어디서 온 것인가? 그것이 혹 나의 "음악적 경험"에서 온 것이라면 나는 작곡 할 때 내가 무엇을 하고 있는지 분명히 안다. 그러나 이 작은 울림이 내가 그토록 기다려온 어떤 "향수어린 동경"으로부터 온 것이라면 나는 작곡을 할 때 내가 무엇을 하고 있는지 결코 알 수 없을 것이다.

이상. 그를 떠올리면 언제나 고립된 은둔자! 그러나 그 속에서의 또 다른 현실! 절망 같은 것이 느껴진다. 쉬르리얼리즘(초현실주의)에 가까운(심지어 "다다"까지) 통속적 관념의 부정으로서의 그의 문학. 특히 이 시에 나타난 시인 자신과 그가 만든 또다른 자신의 상징성인 나비와의 혼돈상태 그리고 나타나는 초현실적 세계가 이 작품의 동기적 유발점이다. 그리고 현실과 비현실이 평형 상태로 분열된 채 이상화되는 비극과 고민이 느껴진다.

이 작품은 작곡 이전의 어떤 구체적 의도나 계획을 만들지 않았다. 무계획적으로 나를 통과하여 "자동 기술"된 소리인 것이다. 그럼에도 불구하고 어떤 객관성을 얻기 위한 이율배반적 흔적이 남아 있다.

가사를 정확히 표기하여 잘 읽어 주어야 할 것이다.(음악같은 것은 필요 없어도 됨) 가사와 음악적 기술(기교, 본질성)은 가곡이라는 장르에서 가사의 전달이라는 목적에서는 대립되어 있는 것처럼 보인다. 즉 음악이 복잡하면 가사가 들리지 않고 음악이 단순하면 가사가 비로써 명료해 지지만 그렇게 되면 여기에는 음악적 내용의 빈곤으로 작품 자체가 아무것도 아닌 것처럼 느껴진다.

                   시 제10호 "나비" -이상-

         찢어진 벽지에 죽어가는 나비를 본다.

         그것은 유계(幽界)에 낙역(絡繹)되는 비밀한 통화(通話)구다.

         어느 날 거울 가운데의 수염(鬚髥)에 죽어가는 나비를 본다.

         날개 축 처어진 나비는 입김에 어리는 가난한 이슬을 먹는다.

         통화구를 손바닥으로 꼭 막으면서 내가 죽으면 앉았다

         일어서드키 나비도 날라가리라.

         이런 말이 결코 밖으로 새어나가지는 않게 한다.

    Dynamik ad lib. (meistens pp-ppp in den Hoben gelegentlich f.)

    Artikulation und Agogik sind freigestellt!

      가곡 “나비”의 시작부분 (prelude)

회색이미지 와는 달리 가곡 나비에서는 모든 규정적인 매개변수 (parameter)들이 사라졌다. 그렇게 됨으로서 음들은 더욱 유연한 표현의 가능성들로 살아나게 되었다.

    악기로서의 Sop. 와 인성(텍스트의 낭독자)으로서의 Sop.

이곡에서 가사는 6개의 부분으로 나뉘어서 나타나며 이 텍스트가 속한 부분들의 앞과 뒤에 Aria를 포함한 7개의 연결부가 텍스트없이 특정한 모음으로 소프라노에 의해 표현된다. 즉 시의 낭독적 표현, 그리고 인성의 음악적 표현의 두가지 특징이 교차하며 표현되는 것이다.

      가곡 “나비”의 텍스트 시작부분

여기서는 특정한 음들이 경우의 수의 형태로 반복되는 폐쇄성을 표현하고 있으며 멜로디는 화성이고 화성이 멜로디라고하는 아이러니를 표현하고 있다.

     가곡 “ 나비”의 텍스트가 없는 간주곡 부분

텍스트가 없는 간주곡들은 안정된 음향현상을 표현하고 있다.

    입을 막고 말하기와 중얼거리기

     가곡 “나비”중 간주곡

비현실과 또 다른 현실, 그리고 부정, 기형, 모순, 은둔자......와 같은 시인 이상의 이미지 그리고 시 제10호 “나비” 자아와 형식의 분열로서의 표현! 이것이 가곡 “나비”의 음악적 동기들이다.

     가곡 “나비” 중 다섯 번째 악장

시의 가장 극적인 순간인 “통화구를 손바닥으로 꼭 막으면서 내가 죽으면…” 의 시작부분.

불협화의 충격 (피아노)에 의한 점차로 증가하는 불협화 (비브라폰), 그리고 입을 막고 소리내는 소프라노의 위태한 발성이 평형상태로 분열된 채 나타나는 시의 비극적 형식을 암시하고 있다.

    비밀한 통화구 속의 “시인과 나비”의 혼돈상태

     가곡 “나비” 중 두 번째 악장(시작부분)

   비밀한 통화구로 들어가는 통로인 비브라폰 f#음의 연속적 진행!

피아노와 소프라노가 서로간의 울림과 잔향의 형태로 진행 되어가고 있다.

가곡 “나비” 중 네 번째 간주곡 중 끝부분

“비현실과 EH 다른 현실”

시인 이상의 Paraphronigue 한 상태의 은유적 표현. 서로 다른 마디적 박절감이 여러개의 음악적 공간으로 자리매김 하면서 “시인의 혼란한 착란 상태를 묘사하고 있다. ”

가사없는 또 하나의 “가곡” 마지막 악장 Aria

호모포니(Homophony)형태의 정형으로 쓰여진 이 마지막 악장은 내용면에서는 전주곡. 그리고 5개의 간주곡의 연장선상에 있다. 그러나 이 Aria는 마치 하나의 독립적인 형태를 가진다. 여기에는 시인 이상과 그의 시 “나비”에 나 자신의 잠재적 음악적 표현이 담겨있다.

     가곡 “나비” 중 마지막 악장 Aria의 시작부분

    두 작품을 돌아보며

음악적 “퇴행성”과 “미래지향성” 이라는 두 개념은 마치 어떤 개별적 작품에 긍정성과 부정성을 부여하는 말처럼 느껴진다. 내가 이 글을 준비하면서 올린 두 작품에도 이러한 개념이 자리매김 되어있는 것이 사실이다. 그러나 역사적 보편성으로서의 표현이 퇴행적이고, 아류가 아니고, 보편성이 아닌, 그리고 스스로 소외될 줄 알고, 또한 실패의 위험에 노출된 표현들이 미래지향적이라 할 때 나는 그 전자의 예를 “회색 이미지“에 두고 그 후자의 예를 ”나비“에 두고 싶다.그러나 더욱 자세히 들어가면 이렇게 비유한 두 작품 속에는 그 반대의 요소들도 존재한다. 회색 이미지가 반드시 퇴행적인가? 혹은 ”나비“가 반드시 미래지향적인가? 이것에 대한 객관적 기준은 엄밀히 말하면 없는 것이다. 그러하기에 음악(예술전체)의 아이러니 (소재와 형식 그리고 주체적 자아의 분열)가 발생하는 것이다.

그럼에도 불구하고 나는 이제 모든 것을 확고히 규정하려는 음악적 표현형식에서 벗어나 보다 자유롭게 음이 살아 움직이도록 음악속의 음들을 자유롭게 하고싶다. “회색 이미지” 속의 음에대한 확고한 규정! 이것이 그 음들을 오히려 죽은 것으로 만들어 버린 것 같은 생각을 떨쳐버릴 수 없다. 열린 형식들로의 새로운 출발! 이곳은 언제나 그러하듯 어떤 것의 시작을 열어주는 비밀한 통로이다. 음에 의미를 부여하기 보다는 (그래서 구속되기 보다는) 음의 무의미성에 그대로 나 자신을 맡겨 음과 나 자신의 떨리는 “균열”을 느끼기 원하면사 또 다른 열린 가능성인 가곡 “나비”를 또 다른 나의 출발점으로 삼고싶다.

                         오늘 나는 무엇을 말하는가?  언제나 나에게

                                        귀 기울인다!